Composer in Residence | Musikdorf Ernen

Claire-Mélanie Sinnhuber

Thu, 01 Jan 2026 00:00:00 +0100

Für das Musikdorf Ernen schreibt Claire-Mélanie Sinnhuber ein neues Werk für Klavier solo, Querflöte, Klarinette, Perkussion und Streichquintett.

Erfahren Sie mehr über die Komponistin im Festival-Magazin

Folgende Werke von Claire-Mélanie Sinnhuber werden am Festival Musikdorf Ernen aufgeführt:

Samstag, 18. Oktober 2025, 20 Uhr | mit dem Quatuor Thalia, bestehend aus Studierenden der Musikhochschule HEMU Valais-Wallis
Streichquartett Nr. 3 «Onze heures et demie dans les herbes» (2024)

Sonntag, 19. Oktober 2025, 14 Uhr | mit Vivien Heinzmann, Klavier
«Toccata» (2020)

Freitag, 17. Juli 2026, 20 Uhr | Klavierrezital 5 mit Gile Bae
«Toccata» (2020)

Samstag, 8. August 2026, 18 Uhr | Festkonzert 3
«Dinggedicht», Konzert für Klavier und acht Instrumente (2026)
Uraufführung – Auftragswerk des Festivals Musikdorf Ernen

Montag, 10. August 2026, 20 Uhr | Festkonzert 5
«Danses douces» für Violine und Violoncello (2021)
Schweizer Erstaufführung

Mittwoch, 12. August 2026, 20 Uhr | Festkonzert 6
«Les roses héroïques» für Klaviertrio (2021)
Schweizer Erstaufführung

Donnerstag, 10. September, 20 Uhr | Helix Trio
«Les roses héroïques» für Klaviertrio (2021)

Sonntag, 13. September, 14 Uhr | Trio Basilea
«Renouée des Oiseaux» für Klaviertrio (2023)
Schweizer Erstaufführung

Biografie

Claire-Mélanie Sinnhuber wurde 1973 geboren und ist französisch-schweizerische Staatsbürgerin. Sie lebt und arbeitet in Paris. Sie studierte Komposition bei Sergio Ortega und Allain Gaussin, bevor sie an das Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris wechselte, wo sie bei Frédéric Durieux studierte. Am IRCAM absolvierte sie unter der Mentorenschaft von Philippe Leroux den Jahresstudiengang. Sie bildete sich bei den Komponisten Salvatore Sciarrino, Gérard Grisey, Brian Ferneyhough, Ivan Fedele und Luca Francesconi weiter.

2008 reiste sie nach Japan in die Villa Kujoyama, um dort den poetischen Zufällen zwischen ihrer Sprache und der traditionellen japanischen Musik zu begegnen. Sie komponierte für die Noh-Schauspielerin Ryoko Aoki und begleitete gleichzeitig die Uraufführung ihres ersten Stücks für großes Orchester in der Suntory Hall durch das Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra. Nach ihrer Rückkehr nach Frankreich plante sie mit dem Filmemacher Jean-Charles Fitoussi eine gemeinsame Filmoper, die sie 2010 und 2011 in die Villa Medici führen sollte. Diese Oper, Mitsou, wurde 2014 beim Festival Musica uraufgeführt. 2024 wurde die Wanderoper Le Sang du glacier an der Opéra de Lyon uraufgeführt.

Claire-Mélanie Sinnhubers präzise, lebhafte und transparente Schreibweise, die sowohl Witz als auch Geschmeidigkeit bietet, entsteht aus einer starken Interaktion mit den Interpreten. Die Stimme spielt dabei eine zentrale Rolle – als Stimme des Wortes, als intime Stimme – und durchdringt ihre gesamte Musik, auch die Instrumentalmusik. Sie bemächtigt sich aller Genres, vom Solo bis zum Orchester, von der gemischten Musik bis zur Oper, auf der Suche nach Sinnlichkeit und Geschwindigkeit.

Ihre Arbeit wurde mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet: Le Prix Georges Enesco de la SACEM (2007), Le Prix Hervé Dugardin de la SACEM (2017), Le Prix Nadia et Lili Boulanger de l'Académie des Beaux-Arts im Jahr 2021 und der Grand Prix de la SACEM im Jahr 2021. Sie erhielt Aufträge von Radio France (Festival Présence, Choeur de Maîtrise de la Radio, Orchestre National de France), der Philharmonie de Paris, Opéra de Lyon, vom Ensemble intercontemporain, Ministère de la Culture (DRAC), Festival Ars Musica (Brüssel), Genfer Kammerorchester, Orchestre de Paris und Grand Théâtre de Provence.

Sie trifft sich regelmässig mit jungen Interpreten im Rahmen von Residenzen (Chœur les Eléments, Conservatoire Hector Berlioz de Paris, Pôle supérieur Franche-Comté Bourgogne, CRR de Paris,...) und jungen Komponisten an der European Creative Academy in Annecy im Jahr 2021, im Rahmen des Mentorenprogramms von Unanimes! im Jahr 2024 oder auch an den Écoles d'Art Américaines de Fontainebleau im Jahr 2024.

Ihre Werke werden von führenden Ensembles und Solisten aufgeführt, darunter das Ensemble intercontemporain, L'Instant donné, Cairn, Court-Circuit, 2E2M, Multilatérale, L'itinéraire, Ensemble Alter Ego, Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra, Orchestre Philharmonique de Bruxelles, Orchestre de Picardie, L'Orchestre de Paris, L'orchestre National de France, Les Éléments, La Maîtrise de Radio France, das Dutilleux-Quartett, das Hermès-Quartett, Joséphine Poncelin, Raquel Camarinha, Shigeko Hata, Mathieu Dubroca, Lucile Boulanger, Vanessa Benelli Mosell, Léo Warynzki, Marin Alsop, Victor Jacob, George Jackson, Sofi Jeannin.

Cheryl Frances-Hoad

Tue, 25 Nov 2025 00:00:00 +0100

Für das Musikdorf Ernen schrieb Cheryl Frances-Hoad das Streichquartett "Ernen".

Mit der Wahl von Cheryl Frances-Hoad fördert das Musikdorf eine Komponistin, deren Musik genauso einfallsreich wie auch zugänglich ist. Das Projekt bringt so eine Stimme der neuen Musik ins Bewusstsein, die einen grossen Beitrag dazu leisten kann, das Interesse an neuer Musik insgesamt bei breiten Publikumsschichten zu vergrössern.

Beiträge über die Konzerte mit Werken von Cheryl Frances-Hoad:

"Der Reiz der traditionellen Form", von Marianne Mühlemann

"The Fabulous Three & More", von Madeleine Hirsiger

"Der Klang von Ernen", von Andreas Zurbriggen

Folgende Werke von Cheryl Frances-Hoad wurden am Festival Musikdorf Ernen aufgeführt:

Sonntag, 20. Oktober 2024, 14 Uhr | mit Studierenden der Musikhochschule HEMU Valais Wallis
«My Day in Hell» für Streichquartett (2008)

Dienstag, 5. August 2025, 20 Uhr | Kammerkonzert 2 «Tanz und Spiele»
«The Whole Earth Dances» für Violine, Viola, Violoncello, Kontrabass und Klavier (2016) – Schweizer Erstaufführung

Samstag, 9. August 2025, 18 Uhr | Kammerkonzert 3 «Aus der Komponierwerkstatt»
Streichquartett «Ernen» (2025) – Auftragswerk des Festivals Musikdorf Ernen (Uraufführung)

Montag, 11. August 2025, 20 Uhr | Kammerkonzert 5 «Würde und Ehre»
«The Forgiveness Machine» für Klaviertrio (2010) – Schweizer Erstaufführung

Freitag, 12. September 2025, 20 Uhr | Kammerkonzert 1 mit dem Dora Piano Trio
«Melancholia» für Klaviertrio (2002)

Samstag, 13. September 2025, 17 Uhr | Kammerkonzert 2 mit Vilém Vlček, Violoncello und Denis Linnik, Klavier
«The Prophecy» für Violoncello und Klavier (1998)

Samstag, 13. September 2025, 20 Uhr | Kammerkonzert 3 mit dem Moser String Quartet
«My Day in Hell» für Streichquartett (2008)

Biografie

Cheryl Frances-Hoad wurde 1980 in Essex geboren und erhielt ihre musikalische Ausbildung an der Yehudi Menuhin School, der University of Cambridge und am Kings College London. Ihre Musik wurde beschrieben als «wie ein Glaubensbekenntnis an die ewigen Wahrheiten der Komposition» (The Times), mit «einer Stimme, die nicht nur vor Ideen überquillt, sondern auch vor der Disziplin und Kunstfertigkeit, die nötig sind, um sie nutzbar zu machen» (The Scotsman).

Cheryl Frances-Hoad, die für ihre Originalität, Geläufigkeit und Professionalität bewundert wird, komponiert seit ihrem fünfzehnten Lebensjahr. Die klassische Tradition (sie wurde als Cellistin und Pianistin ausgebildet) sowie verschiedene zeitgenössische Inspirationen, darunter Literatur, Malerei und Tanz, haben zu einer originellen kreativen Präsenz beigetragen.

Zu Cheryls Werken gehören zwei Klavierkonzerte, ein Cellokonzert, drei Klaviertrios, eine neunzigminütige Oper über das Leben von Amy Johnston (Amy's Last Dive) und mehrere gross angelegte Werke mit jungen Musiker*innen. 2015 gab Cheryl ihr Debüt bei den BBC Proms.

Zu den jüngeren Projekten gehört das Stück Your servant, Elizabeth, das von den BBC Proms für den «Platinum Jubilee» Prom am 22. Juli 2022 in der Royal Albert Hall in Auftrag gegeben wurde. Das Werk wurde von Ivan Hewett in The Telegraph als Höhepunkt der Proms-Saison 2022 bezeichnet: «Wie die beste ‘klassische Musik’ war es frisch und überraschend, aber dennoch in der Tradition verwurzelt und gab viel Hoffnung, dass eine umkämpfte Kunstform noch viel Leben in sich hat».

Cheryl war Composer-in-Residence beim Presteigne Festival 2019 und Associate Composer beim Oxford Lieder Festival von 2019-2021: Ihr halbstündiger Liederzyklus Everything grows extravagantly, den sie zusammen mit der Dichterin Kate Wakeling geschrieben hat, wurde von der Times zu einem der fünf besten klassischen Ereignisse des Jahres 2021 gewählt. Im November 2021 wurde Scenes from the Wild uraufgeführt, ein 70-minütiger Zyklus für Tenor und Kammerorchester, und im Mai 2023 wurde Cheryls neues Cellokonzert von Laura van der Heijden mit dem BBC Scottish Symphony Orchestra uraufgeführt.

Ihre Werke wurden mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, vom BBC Lloyds Bank Composer of the Year Award, als sie gerade 15 Jahre alt war, bis hin zum Mendelssohn-Stipendium, dem Cambridge Composers Competition, den RPS Composition Prize, drei Ivor Novello (ehemals BASCA) British Composer Awards sowie weiteren nationalen und internationalen Preisen.

Cheryl hat sechs gefeierte CDs veröffentlicht. Ihre jüngste CD mit Vokalmusik wurde im November 2018 auf dem Label Champs Hill Records veröffentlicht. Magic Lantern Tales wurde hoch gelobt: «Je länger man dieser wunderschön gestalteten CD zuhört (...), desto tiefer gerät man in ihren Bann» (SWR2 Treffpunkt Klassik, Deutschland).

Die Musik von Cheryl Frances-Hoad wird von Chester Music Limited, Teil der Wise Music Group, veröffentlicht.

Website der Komponistin

Christian Mason

Mon, 01 Jan 2024 00:00:00 +0100

Für das Musikdorf Ernen schrieb Christian Mason ein Kammermusikwerk für Klarinette, Violine, Violoncello und Klavier – also für die Besetzung von Olivier Messiaens Quatuor pour la fin du temps (1940). Das Werk heisst «Figures in a landscape (awaiting eternity)». Es wurde am Samstag, 3. August 2024, um 18 Uhr, uraufgeführt.

Schauen Sie Videoaufnahmen aus Ernen mit Werken von Chrstian Mason:

"Figures in a landscape" | Uraufführung

"Shadowy Fish. Hommage à Schubert

"Eki Attar" aus dem Tuvan Songbook

Ganz unten: Video-Interview mit Christian Mason in Ernen.

Christian Mason

Christian Mason (*1984) ist einer der führenden Komponisten seiner Generation. Der Preisträger des Komponistenpreises der Ernst von Siemens Musikstiftung 2015 ist Gastdozent für Komposition an der Universität Cambridge sowie Mentor für das LSO Panufnik Young Composers Project, die Philharmonia Composers’ Academy und das Hong Kong Composers Scheme.

In den letzten Jahren wurden Orchesterwerke von den Wiener Philharmoniker, dem hr-Sinfonieorchester, dem Philharmonia Orchestra, dem Münchener Kammerorchester und dem Orchestre National de France uraufgeführt. Am Lucerne Festival (Ensemble Intercontemporain), den BBC PROMS (London Sinfonietta) und den Donaueschinger Festspiele wurden seine Werke uraufgeführt; Seine Kammermusikwerke wurden u.a. für das Arditti String Quartet, das Ligeti String Quartet komponiert.

Christian hat am King's College London bei George Benjamin promoviert und war als Kompositionsassistent von Sir Harrison Birtwistle tätig. Er ist Gründungsmitglied und künstlerischer Leiter des Octandre Ensemble und spielt das Theremin. Seine Werke sind bei Breitkopf & Härtel erschienen.

Folgende Werke von Christian Mason werden am Festival Musikdorf Ernen aufgeführt:

Samstag, 21. Oktober 2023 | mit Studierenden der Musikhochschule HEMU Valais-Wallis
«Tuvan Songbook» für (singendes) Streichquartett (2016)

Sonntag, 7. Juli 2024 (Klavierrezital 1 mit Andrei Gologan)
«just as the sun is always...» (2006/2009)

Freitag, 12. Juli 2024 (Klavierrezital 4 mit Sergey Tanin)
«The Earth: Her Dance» aus dem Zyklus Inner Landscapes (2018/2019)

Freitag, 2. August 2024 (Orchesterkonzert 1)
«Tuvan Songbook» Version für (singendes) Streichorchester (2020)

Samstag, 3. August 2024 (Kammerkonzert 4)
«Figures in a landscape (awaiting eternity)»
Uraufführung – Auftragswerk des Festivals Musikdorf Ernen

Sonntag, 4. August 2024 (Kammerkonzert 5)
«Shadowy Fish. Hommage à Schubert» für Violine, Viola, Violoncello, Kontrabass und Klavier (2020)

Lesen Sie mehr über Christian Mason und seine Arbeit in Ernen:

«Bimmelnde Schafe in der Kirche St. Georg», Oktober 2023, von Andreas Zurbriggen

Helena Winkelman

Sun, 01 Jan 2023 00:00:00 +0100

Hier finden Sie einen Überblick über die Aktivitäten des Projekts Composer in Residence 2022/23: Helena Winkelman.

«Geisterlieder» | Videoaufnahme der Uraufführung

«Geisterlieder» | Texte und Übersetzungen

Helena Winkelman

1974 in Schaffhausen in eine Musikerfamilie hineingeboren, gilt die Geigerin und Komponistin als eine der interessantesten Musikerpersönlichkeiten der Schweiz. Sie vereint Ansätze der Neuen Musik, Jazz, Rock, Volksmusik und die musikgeschichtliche klassische Tradition in einer Person und wurde vielfach ausgezeichnet, etwa mit dem Schweizer Kulturpreis 2017. Als versierte Geigerin und Kammermusikerin ist Helena schon mehrfach in der Reihe «Kammermusik plus» in Ernen aufgetreten.

Für das Musikdorf Ernen schrieb Helena Winkelman einen grossen Liederzyklus unter dem Titel Geisterlieder mit Vertonungen von Gedichten in zahlreichen europäischen Sprachen. Uraufgeführt wurde das Werk am Samstag, 5. August 2023 von Christina Daletska (Sopran), Christina Landshamer (Mezzosopran), Rolf Romei (Tenor) und Thomas Oliemans (Bariton) sowie dem Ensemble des Musikdorfs Ernen.

Folgende Werke von Helena Winkelman wurden im Rahmen des Projekts Composer in Residence 2022/23 im Musikdorf Ernen aufgeführt:

Samstag, 29. Oktober 2022
«Papa Haydn's Parrot. Hommage à Haydn» für Streichquartett (2016)
Tami Pohjola, Larissa Cidlinsky, Violinen, Héloïse Houzé, Viola und Léonardo Capezzali, Violoncello

Dienstag, 1. August 2023
«Vis-à-vis Goya» 7 Miniaturen für Cello und Klavier (2019)
Francesco Dillon, Violoncello und Alasdair Beatson, Klavier

Mittwoch, 2. August 2023
«Aqua» aus dem Zyklus «Aria, Ignis, Terra, Aqua» für Flöte (2013)
Tomasz Sierant, Flöte

Samstag, 5. August 2023
«Geisterlieder» | Uraufführung – Auftragswerk des Festivals Musikdorf Ernen
Christina Daletska, Sopran, Christina Landshamer, Mezzosopran, Rolf Romei, Tenor, und Thomas Oliemans, Bariton, sowie das Ensemble des Musikdorfs Ernen

Samstag, 9. September 2023
Neun Bagatellen aus den «12 Visitations from the past» (2020)
Trio Zeitgeist: Tim Crawford, Violine, Martin Egidi, Violoncello, Martin Jollet, Klavier

Lesen Sie mehr über Helena Winkleman und ihre Arbeit in Ernen:

«Erforschen, was dahinter ist», November 2022, von Marianne Mühlemann

«Wenn ich nach Ernen komme, fühlt es sich wie ein Heimkommen an», Oktober 2022, von Andreas Zurbriggen

Tom Coult

Sat, 01 Jan 2022 00:00:00 +0100

Videoaufzeichnung der Uraufführung von Tom Coults Horntrio

Kurzes Video-Interview mit Tom Coult in Ernen

Tom Coult gehört zu den aufsteigenden Stars am Komponistenhimmel. 2021/22 ist er «composer in residence» im Musikdorf Ernen.

Nur den wenigsten Komponisten gelingt eine so steile Karriere wie dem 1988 in London geborenen Tom Coult. Orchester und Ensembles von Weltruhm, wie die London Sinfonietta, das BBC Philharmonic Orchestra und das Arditti Quartett spielen seine Werke und geben ihm neue in Auftrag. Bereits 2017 erhielt Tom Coult den musikalischen Ritterschlag – als gerade einmal 29-jähriger Komponist. Die traditionsträchtigen «BBC Proms» wurden nämlich mit einer Uraufführung von ihm eröffnet: mit dem Orchesterstück «St John's Dance».

Tom Coult, Sie sind der diesjährige «composer in residence» in Ernen. Wie kam es dazu, dass ein Brite zum Komponieren nach Ernen kommt?
«Im Juli 2019, also noch vor der Corona-Pandemie, erhielt ich völlig unerwartet eine Mail von Alasdair Beatson mit dem Betreff ‹möglicher Auftrag für Ernen›. So nahm die Geschichte seinen Lauf.»

Und Sie haben wohl nicht lange gezögert, diesen Auftrag anzunehmen?
«In Grossbritannien konnte ich etwa in Manchester oder Cambridge schon einige Residenz-Programme absolvieren, bei denen ich aber meistens zu Hause übernachtete. Ins Ausland durfte ich für ein Residenz-Programm noch nie. Da musste ich tatsächlich nicht lange überlegen.»

Wie entstand der Kontakt zum Pianisten Alasdair Beatson, dem künstlerischen Leiter der Erner Kammermusik-plus-Wochen?
«Wir lernten uns kennen, da er als Solist mit der Britten Sinfonia an verschiedenen Konzerten eine Uraufführung des dänischen Komponisten Hans Abrahamsen spielte, bei denen auch ein Stück von mir aufgeführt wurde. Wir kamen nach den Konzerten ins Gespräch und die Chemie stimmte auf Anhieb.»

In diesem Sommer haben Sie schon ein wenig Festivalluft in Ernen schnuppern können. Wie ist Ihr Eindruck vom Musikdorf?
«Ernen ist einer der schönsten Orte, an dem ich mir überhaupt vorstellen kann, Zeit als Komponist zu verbringen. Nicht unwesentlich macht die Musik, die in Ernen gespielt wird, dieses Dorf zu etwas Unglaublichem. Was noch dazukommt: Die Qualität der Musiker ist gewaltig. Nach all den Coronaeinschränkungen fühlt es sich beinahe wie ein Wunder an, wieder das Land verlassen und reisen zu dürfen.»

Für die nächstjährige 49. Ausgabe des Festivals Musikdorf Ernen dürfen Sie ein Werk komponieren und sind dabei ziemlich frei was die Besetzung anbelangt. Für welche Instrumente werden Sie schreiben?
«Mir schwebt vor, ein Trio für Horn, Violine und Klavier zu komponieren. Gerade das Horn mit seinen Assoziationen zu Jagd und Bergen dünkt mich sehr stimmig für einen Ort wie Ernen. Und nach etlichen Orchesterwerken verspüre ich grosse Lust, Kammermusik für eine relativ klassische Besetzung zu schreiben.»

Der erste Schritt, das Finden der Besetzung, ist somit vollbracht. Wie geht nun der Kompositionsprozess weiter?
«Ich liebe es, mir in einem zweiten Schritt Ideen für den Beginn und das Ende eines Stückes auszudenken. Danach schreibe ich einfach diejenige Musik, die das Gegenteil von dem ist, was ich nicht mag (lacht). Momentan befinde ich mich noch in einem Anfangsstadium ohne Druck. Jede Idee, die mir einfällt, kann potenziell perfekt sein. Es ist wie ein idealistischer platonischer Zustand.»

Wieviel Zeit werden Sie im Musikdorf verbringen?
«Da ich ein sechs Monate altes Baby habe, werde ich nicht so viel Zeit im Musikdorf verbringen können, wie anfänglich geplant. Ich werde aber bestimmt noch drei Mal bis Ende Herbst nach Ernen reisen und möchte vor allem im Oktober einen längeren Aufenthalt machen.»

Wie sieht ein gewöhnlicher Tag für Sie in Ernen aus?
«Momentan komponiere ich sehr viel. In der Mittageszeit mache ich einen ausgiebigen Spaziergang und am Abend höre ich mir ein Konzert an. Es ist ein schlichtes, aber wunderschönes Leben, das ich hier führen kann.»

Das Interview führte Andreas Zurbriggen (Musikpublizist und Komponist)

Thomas Larcher

Fri, 03 Sep 2021 00:00:00 +0200

Thomas Larchers Trio wurde festgehalten auf der CD «Impressionen 2021», erhältlich im CD-Shop

Short video-interview with Thomas Larcher in Ernen

Als «composer in residence» am Musikdorf Ernen komponierte Thomas Larcher ein Trio von berückender Schönheit. Am «Newcomers»-Wochenende kann man erneut in die faszinierende Klangwelt dieses Komponisten eintauchen. Ein Treffen mit dem Komponisten im Sportcafé Seiler.

Irgendwann wird in einer Musikenzyklopädie eine Notiz zum 7. August 2021 vermerkt sein, einem herbstlich kalten Tag in diesem ach so verregneten Sommer. Das Wetter wird bei dieser Notiz jedoch keine Rolle spielen, denn an diesem Tag geschah ein metaphysischer Akt, welcher den profanen Wetterphänomenen enthoben war. Gegen Abend ertönten nämlich in der Erner Kirche St. Georg unerhörte Klänge, deren Schönheit und Erhabenheit Schubert'sche Qualitäten vorweisen konnten.

An diesem Abend wurde ein extra für das Festival Musikdorf Ernen komponiertes Trio für Klarinette, Violoncello und Klavier von Thomas Larcher uraufgeführt, dem diesjährigen «composer in residence». Der Klarinettist Matthew Hunt, die Cellistin Chiara Enderle Samantanga und der Pianist Alasdair Beatson kreierten bei der Uraufführung sinnliche Momente, die zwischen idyllischen, in die musikalische Vergangenheit weisenden Sehnsuchtsmomenten und rhythmisch pulsierendem Drängen changierten.

Wenige Stunden vor der Uraufführung treffe ich Thomas Larcher nach der Generalprobe zu einem Gespräch im Sportcafé Seiler. Mit dabei hat er seine Freundin, die Autorin Friederike Gösweiner.

Proben macht hungrig. Bei Flammenkuchen beginnen wir über die Aneignung von musikalischen Materialien und Intuition zu philosophieren.

«Ich glaube nicht, dass man als Komponist so viel erfindet», beginnt der österreichische Komponist mit einer nicht alltäglichen Sicht auf seine Zunft und präzisiert sogleich: «Die im Kindesalter gehörte Musik bleibt so irrsinnig tief in einem, daraus schöpft sich alles weitere.»

Im Kindesalter sog Thomas Larcher vor allem die Musik von Franz Schubert und Wolfgang Amadeus Mozart in sich hinein. Seine Mutter, eine passionierte Sängerin, begleitete er bald einmal auf dem Klavier. Schubertlieder gehörten zum Standardrepertoire. Im privaten Kreis wurden Schubertiaden veranstaltet.

Etwas hört man der Musik von Thomas Larcher sofort an: Sie basiert nicht auf irgendwelchen ausgetüftelten Zahlenreihen, sondern entsteht durch ein Hineinhorchen in Klänge und deren Verläufe. Bei Larchers Musik ist es wie bei derjenigen Schuberts, jeder Ton passt intuitiv perfekt zu allen anderen.

«Vieles entsteht durch Weglassen», beschwichtigt Larcher meine euphorischen Aussagen zur vollkommenen Intuition: «Es nervt mich einfach, wenn etwas musikalisch nicht stimmt».

Thomas Larchers Obsession ist das Durchhören, den Akt des Komponisten, ein Stück so oft mit dem inneren Ohr sich vorzustellen und dabei alles so lange zu wenden und zu bearbeiten, bis auch die letzte Nuance eines Stückes stimmig wird. «Alle Facetten erspüren», nennt Larcher diese Vorgehensweise.

In seinen Werken verarbeitet Larcher Einflüsse ganz unterschiedlicher Art: Im Trio gibt es einen Moment mit einem wehmütigen Klarinettenseufzer, den ich als Tiroler Idyll höre, anspielend auf seine Heimat. «Warum nicht Erner Idyll?», fragt seine Freundin. Sie hat recht, Musik lässt sich nie eindeutig verorten.

Thomas Larcher erzählt von einem Klavierstück, das er für den Pianisten Lars Vogt als Genesungsstück komponierte, bei dem im Februar 2021 ein schwerwiegender Krebs diagnostiziert wurde. Das wehmütige Idyll war also weder österreichisch noch schweizerisch gedacht, sondern als Freundschaftsgeste.

Zeit in Ernen verbrachte der «composer in residence» im vergangenen August und Oktober. Dabei ging er seiner zweiten grossen Passion nach: dem Fahrradfahren. Er erzählt mir von einer Tour über die Grimsel, nachdem der Pass für den motorisierten Verkehr gesperrt wurde. Die geplante Tour zum Mattmarkstausee, von der er mir bei unserem ersten Treffen im August vor einem Jahr schwärmte, kam leider nicht zustande.

Bei beinahe jedem Fahrradfahrer, der an unserem Tisch im Seilercafé vorbeikommt, gibt er die passende Diagnose zum Zustand des Gefährts. Thomas Larcher wäre auch ein guter Fahrraddoktor geworden.

Und er vereint Welten. Er ist einer der meistgefragten Komponisten unserer Zeit, als Pianist spielt er mit den renommiertesten Interpreten zusammen und als Sportler verfolgt er erstaunlich hohe Ambitionen.

Nicht minder vereinen auch seine Werke unterschiedliche Sphären. «Beim Komponieren interessiert mich das Spannungsfeld, das zwischen verschiedenen musikalischen Welten entstehen kann», erörtert es Larcher. Dies widerspiegle die plurale vielfältige Welt, in der man lebe.

Obwohl er durchaus das Talent hätte, ungebrochene Musik, im Stile Schuberts etwa, zu komponieren, interessiert ihn das nicht. «Solche Musik wäre zu hermetisch, zu idyllisch, schlicht überflüssig», bringt er seine Ansicht auf den Punkt.

Und doch wird man beim Hören von Larchers Musik an Schubert, Mahler oder Pärt erinnert. «Bei der Probe ist mir endlich bewusst geworden, an was mich eine Stelle in meinem Stück erinnert: Gustav Mahlers frère Jacques-Imitation in der Ersten Symphonie», gesteht er seiner Freundin und schweift über zu Gedanken, ob eine musikalische Aneignung anderer Komponisten oder Musiktraditionen überhaupt zulässig ist. Zu einer eindeutigen Antwort kommen wir nicht.

Und noch ein anderes Vorbild stand übrigens Pate für sein Trio: Schumann. «Eigentlich wollte ich einzelne Sätze Komponieren wie dessen Märchenerzählungen für Klarinette, Viola und Klavier».

Letztlich entschied er sich für eine assoziative rhapsodische Form, bei der die einzelnen Teile ineinander übergehen. Und die Musiker Spielfreude entwickeln können. «Die Musiker sollen phrasieren dürfen, mit ihrem Instrument singen, ja, einfach das machen, was sie am liebsten tun und wofür sie ausgebildet wurden».

Mit diesem kleinen Seitenhieb gegen eine allzu starre avantgardistische Sichtweise auf die Neue Musik wird eines klar: Das musikalische Material entscheidet nicht, wie frisch und neu eine Musik klingen kann. Dafür ist Thomas Larcher das beste Beispiel.

Am Sonntag, dem 12. September, interpretiert das Quartetto Eos im Rahmen vom «Newcomers»-Wochenende das Streichquartett «Cold Farmer» (1990) von Thomas Larcher. Dabei lassen sich noch ein letztes Mal im diesjährigen Erner Musiksommer die sinnlichen Qualitäten von Larchers Musik erfahren.

Ernen, 3. September 2021, Andreas Zurbriggen (Musikpublizist und Komponist)

Andreas Zurbriggen

Wed, 10 Jul 2019 00:00:00 +0200

Videoaufzeichnung der Uraufführung

Kurze Dokumentation über die Entstehung des Werks

Earlier this year, the Festival Musikdorf Ernen appointed Andreas Zurbriggen its Composer in Residence 2019. The première of his “Zweisamkeiten”—a work for 4-handed piano commissioned by the festival—is slated for performance on August 3 as part of the chamber concert (Kammerkonzert) series.

While composer Andreas Zurbriggen grew up in Saas-Fee, he counts Ernen his second home. That, because he was well-versed in the piano, trumpet and cello he played in his youth, he visited concerts here enthusiastically even as a teenager. Later, after studies in musicology and composition, and the launch of a promising career as a composer, he was awarded a grant that gave him the time and means to take up residence here in the village. Much like Edvard Grieg and Gustav Mahler before him, he was able to live in what he cited fondly as his own little “Kompositionshaus,” the house a friend had recently vacated. “I meant to stay here a few weeks, and ended up staying a year and a half,” he said, smiling broadly.

No question that that stay did his composing good. Zurbriggen’s catalogue of works—impressive for a man just 33 years—already includes notable pieces for orchestra, chamber music configurations, and solo performance for piano and pan flute. Early this year, the Festival Musikdorf Ernen appointed him Composer in Residence for the 2019 season, nicely timed inasmuch as just months before the launch of his tenure here, he took another illustrious award: the canton of Wallis’s cultural grant for a six-month residency in Berlin.

Even speaking informally as he did with me, the breadth of Zurbriggen’s cultural insights and commitment to the arts is immediately apparent. Having attended high school in Brig, he completed composition studies with Daniel Glaus at the Hochschule der Künste Bern, but supplemented his course of study with additional work in literature, history, and art history. At the time of our interview, he was writing a term paper in medieval art and architecture for a course at the University of Zurich. Indeed, his interests bridge disciplines—philosophy, music history, media, the performing arts—and spur his own creativity. He also writes with regularity in various music periodicals and newspapers. Indeed, much more than an “all-rounder,” he might better be called something of a Renaissance man.

A good number of youtube clips that bear his signature feature compositions marked by delicate, ethereal qualities; quite often a dreamy palpitation characterizes his work. When we spoke, the select pages of the score he shared with me of his soon-to-be-premiered “Zweisamkeiten” looked almost like a meditation: a steady, single configuration might modestly shift, then move gradually into a new harmony without any big bang, almost in an organic process. Given his broad base of academic accomplishment, it follows that Zurbriggen’s own musical genre reflects the merits of composers before him. But unquestionably, it also bears hallmarks of unique integration into a modern context. And while he readily acknowledges the proponents of “new music” and their accomplishments, both in Europe and abroad, his work differs from others’ inasmuch as he avoids using set schematic patterns and calculated mathematical formulae to drive his score. Instead, Zurbriggen contends that he works on composition intuitively, continually asking himself for his genre’s own logic, always asking himself in that process of composing where the music itself “wants to go next.”

Having learned those three different instruments as a child—piano, trumpet and cello—Zurbriggen is well positioned to understand the machinations of the orchestra, and as such, well suited to composition in that genre. But his “inner ear,” as it calls it, clearly puts new demands on him and is applied to various other configurations. The beauty of simplicity (“die Schönheit der Schlichheit”) is, however, always a foremost concern.

Further, he draws on the wealth of poetry he reads and widely enjoys, one which far exceeds just the German literature to which he was first exposed. The composer calls on Erza Pound, on Lawrence Ferlinghetti, or on W.B Yeats, for example, just as readily as on work by Ingeborg Bachmann, Arthur Rimbaud or Rolf Hermann. The latter’s poem, “North of Alexandria,” is marked by a spontaneity that Zurbriggen carries into his own version: a tightly constructed, short choral work for five voices. In a different genre, his “Zweisamkeiten” is a work for 4-handed piano which was commissioned by the Festival Musikdorf Ernen, and also the name chosen as the title for the 2019 summer season’s concert offer. Pianists Alasdair Beatson and Paolo Giacometti will premier the work here in the Ernen church on August 3 as part of the third chamber music concert in the “Kammermusik Plus” series. That’s a concert we really oughtn’t miss.

Sarah Batschelet, July 10, 2019

Musikdorf Ernen’s 2019 Composer in Residence Andreas Zurbriggen previously held the position of composer in residence at the 24th Davos Festival - young artists in concert. His works have been performed at various festival venues, including Forum Wallis, Davos Festival, Musikfestival Bern, Shanghai International New Music Week, and have been interpreted by various ensembles such as Ensemble Phoenix Basel, Voice-Recorder Duo Ums ´n Jip, Mondrian Ensemble Basel, Ensemble Laboratorium, Haute École de Musique Lausanne Site de Sion Orchestra, Oberwalliser Vokalensemble, Russische Kammerphilharmonie St. Gallen, and the Russian Chamber Philharmonic Orchestra. Petersburg and the South Korean vocal quintet Cool~a Cappella.

Sally Beamish

Mon, 07 Aug 2017 00:00:00 +0200

Schauen Sie Sally Beamish's Klavierkonzert "Hill Stanzas", aufgenommen 2017 in Ernen

CDs mit Werken von Sally Beamish sind in unserem CD-Shop verfügbar (Impressionen 2015 und 2018)

Den folgenden Text schrieb die Musikjournalistin Sarah Batschelet in Ernen:

One of Musikdorf Ernen’s artists this season is the highly sought-after and equally personable British composer and violist, Sally Beamish.

A Londoner by birth, she didn’t particularly want to move North to Scotland when her Glaswegian husband Robert Irvine, a fine cellist, suggested it. But the unsettling 1989 theft of her concert viola, the birth of their first child, and the fact that she was getting a few composing commissions, all came together at once to spur the decision. And while motherhood precluded a touring schedule in her family’s early years, it meant her composing came more into the foreground.

Fast forward, she has joined a core of people in Ernen who come here every year, both seasoned professionals and young musicians keen to gain experience and learn from the older players. Sally’s viola today is an instrument her daughter, a trained violinmaker, made with the idea of selling to pay for college tuition. Ultimately, Sally bought it to “keep it in the family,” and her daughter heard her playing it for the first time when the Kammermuisk Plus* configuration played Sally’s “Hill Stanzas” here in the Ernen church.

Interacting with the players over her own compositions is exciting, but Sally says she doesn’t have to be out there and lead operations. She prefers to stand back when fine musicians are playing, encouraging them to decide how to interpret the score. In “Hill Stanzas”, for example, she marveled at what pianist Alasdair Beatson brought to the piece, and how concertmaster Daniel Bard absolutely “assimilated it, the sparks almost flying between them.”

In the red-gingham-decorated “Wallieserstube” of the village’s “Hotel Alpenblick,” Sally took time out from a busy rehearsal schedule to tell me more about her music, her return to the viola, and the special place that musicians hold as she composes.

How did you first come to music?
My mother, a violinist, taught me to read music when I was 4, and from an early age, I used the skills she gave me to create my own music. She took me, at about 8, backstage at Sadler’s Wells, where I bumped into the great Peter Pears in full costume. Benjamin Britten’s sea music impressed me then, and I wanted to write sea music, too. My mother taught me the violin starting when I was about 9, which didn’t always go well, and my technique deteriorated when I gave up the lessons with her. I continued to play anyway, and actually, it was her mother, my creative, maternal grandmother – always baking, dressmaking, gardening – who passed on the urge “to make things,” probably influencing the composer in me most.

Were there other musicians in the family?
Yes, my paternal grandmother was a pianist and singer who, sadly, hadn’t been allowed to do either professionally; She and I often played piano duets together, though, and she helped shape my piano skills, sight reading, and understanding of chamber music. So I got lots from both sides, really.

When did the viola come in?
I discovered it at about 15, when I was in the school orchestra. Peter Morgan, our wonderfully encouraging Head of Music, told me this: “If you play the viola, Sally, you’re going to get to play with better people.” Since there weren’t any other viola players there, I got to practice and play with some very gifted older girls, and soon realized that with the viola, I could get into the music from the middle of things. Later, I was accepted into the National Youth Orchestra as a “general musician” – just as Judith Weir and Simon Rattle were – but less for my viola audition, I was told, than the fact that I could play piano, and had been composing.

Farther down the road, the great Peter Maxwell Davies was your mentor.
Indeed, and he also became a dear friend. For Max’s 80th, in fact, I wrote a set of variations on his well-known “Farewell to Stromness,” so heavily disguised, I thought, that nobody would recognize it. The tune itself, of course, comes in at the end like a kind of a joke, and everyone laughed at that at the party. But Max told me later that he had heard it in the very first bar.

How would like your music to be described in the future?
It doesn’t much matter, because I think what I want to do with it is simply communicate. I love hearing the different ways people play and describe my work. That’s part of the thrill of this wonderful alchemy in the triad among composer, musician and audience. As a writer, you don’t need performers, unless you’re a playwright. As a visual artist, you just put up your work so people can see it. But we composers have this wonderful extra process of the input of musicians, and that’s highly important to me, being a performer myself. As his assistant, I also learned from Max how vital it is to put a kind of a “map” on the pages of the score that signal to the performer what you are trying to say.

Why is that so important?
Because the map that we give our musicians is all they have to go on when we’re not there. What does a tempo mark at the top of a score really give the performer? Nothing really. But if you put at the beginning, “Andante, gently,” or offer “feeling” words as well as tempo indications, they know where you’re coming from as soon as they start to play. During rehearsals for “Hill Stanzas”, for example, one or the other might say, “I feel it wants a crescendo there. Is it missing in the score?” And I’d take that idea if they were right, and mark it in my score. I’m going to make a final edition, namely, following this performance.

Have such additions been made before?
Yes, because the concerto was written for the Dutch pianist Ronald Brautigam, who, having already performed it with four different orchestras, was hugely influential in what has gone into the score since. You don’t really want to publish a piece before you’ve heard it played; the musicians bring all sorts of ideas, and you think, “Oh, I’ll put that in,” or “I want that always to happen.” That was certainly the case with his input, too.

With all your many commitments, do you ever get a chance to relax?
Difficult, especially now that I’ve got two parallel careers, composing and playing, and have of course, to practice every day. But this return to playing has been like a gift; it’s been fantastic. At the Ryedale Festival, I played a quintet of mine, and then the Mozart G-minor quintet. In the Trondheim Festival in September, I’m the featured composer, and will also be playing quite lot of my own pieces. What’s more, my Judas Passion with the orchestra of the Age of Enlightenment is coming up in September in London.

How to you explore that in your music?
The work approaches the story through the eyes of Mary Magdalene, the voice of “Why can he not be forgiven?” Theologically, Judas is the only character who never is forgiven, and David Harsent’s libretto draws brilliantly on all the various theories for why. One is that Judas was disappointed with Jesus’s not being the fiery leader he wanted to follow, so by delivering him to the authorities, he gave Jesus the platform to prove himself. Judas was, of course, essentially “called” to do what he did; betrayal was in the prophecy. So somebody had to do it, and my thought is that Judas just drew the shortest straw.

Ernen, Monday, 7 August 2017, by Sarah Batschelet

Alfred Zimmerlin

Thu, 04 Aug 2016 00:00:00 +0200

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A Concert Marked by Silence, Punch, and Fiber

The 2 August concert in the church in Ernen was a startling combination of old and new. The broad swathe of genres ranged from a shimmering Mozart to a pulsing sound landscape by contemporary Zürcher composer, Alfred Zimmerlin. The premier of his intriguing "On the Move—in a Roundabout Way" had been the talk of the town for weeks, and in his opening remarks, Festival Director Francesco Walter assured us that this would be an unforgettable evening.

Violinist Helena Winkelman began the program as soloist in Béla Bartók’s "Romanian Dances," one of the most loved works in the composer’s whole repertoire. Bartók systematically collected Eastern European folk music − no fewer than 2700 Hungarian, 3500 Romanian, and 3000 Slovakian dances and folksongs were amassed in his catalogue. In this week’s dynamic performance, Winkelman twice ran ahead of the other players at the very start, but showed extraordinary confidence in her playing, generously giving the audience expressions of surprise, coy pleasure, and even query, almost as if asking, "Can the violin really do this? Let’s see!" Particularly the second song, "Braul" was as smooth as silk, and she played through her highly complex fingering with the seeming ease of a game long since mastered. I have rarely heard the songs played with such effervescence and punch, in short: this well.

Arvo Pärt’s "Silentium", a part of the Estonian composer’s "Tabula rasa" for violins, string orchestra and prepared piano, is a piece which builds according to a strict formulaic scheme, one subject to only modest variations, and a hauntingly pervasive pattern throughout. In an introduction held prior to the concert, it was cited as a piece that fatally ill patients often ask for when they’re dying. It pulses, repeating itself slowly as if pulling up, then letting go; piece by piece, it shuts down. It’s easy to equate the "body" of instruments with the vital organs of the human being, and to imagine this as the life’s’ force that wants to beat on, but is eventually released into silence. In the Pärt, the soloists and orchestra kept a billowing sound over the audience, the instruments successively falling away. In the end, only the two violins – Daniel Bard and Mathilde Milwidsky – were still playing, the one voice like a delicate silk shroud over the other, before they, too, shut down, and the faltering deeper tones of the cello took the very last "breath." It was a precise and stunning rendition.

The great surprise of the evening was the is a Czech avant-garde violinist, singer, and composer Iva Bittová who has, in her career, worked in a wide range of musical genres, including jazz, rock, classical and opera. She sang two arias: Donna Elvira’s lament in Mozart’s "Don Giovanni", and Thomas Arne’s "The soldier, tired of wars’ alarms." For anyone who expected a classical performance, this was Hell to pay, for the disconnect to studied operatic voice made this as radical as seeing a prima ballerina dance in army boots. One could credit the singer for her gutsy performance, although many of us cringed in our seats at a raw and earthy voice that, married to Mozart, sounded nothing short of street-speak. Further, in the Thomas Arne aria, scored to verse in my own mother tongue, I never heard a single word that sounded remotely like English.

Fortunately, Bittová’s third solo piece was a winner. She gave an acapella, gypsy-like appeal that felt like she was again in her own skin − one with a visceral timber that kept the hair on everybody’s arms bristling. Her "stealing" the concertmaster’s violin, and walking with it out the church door while still singing, added to the tension − indeed the humor− of the theatrical performance. It was cleverly staged for such an effect, and took amused applause. The artist cites her indebtedness to everyday life for her music and interpretations. "Whatever it is," she says, "many of my listeners have long considered it highly original." Original it was, but apart from the solo song, beautiful it was not.

The premiere of Alfred Zimmerlin’s new work came after the break. Commissioned by benefactors of the Musikdorf Ernen Association for the often neglected contrabass; the composer asked to score it for e-bass instead. Arnulf Ballhorn showed a rock star’s command of that instrument, alternating two different ranges, while concertmaster Daniel Bard conducted the players with his bow often aloft and swinging around complex interactions and changes of tempi. Bard’s insistent, frequent eye contact with the fellow musicians also boosted the sense of integrity. Good so, for Zimmerlin’s is an extremely cerebral piece, and one that defies description by the usual musical vocabulary. For the lay listener, there is little that’s predictable about its structure, no way to know when it might pause or indeed end. The man in his forties in the pew in front of mine was sitting between his twitchy adolescent daughter and his old mother, who sat through the piece like a stone. Poor dad; If he had intended this concert as a "fun family outing" for the three of them, he had another thing coming. For while Zimmerlin’s is surely a tremendous and rewarding challenge to professional musicians, and a fitting reflection of the erratic and unpredictable impulses of the modern age, the piece met with a decidedly mixed reception at its premiere. The solace is that new music often does that.

The final orchestral piece, Edvard Grieg’s, "Holberg’s Suite", was robust and infinitely musical in the traditional sense. Its dialogue among the various strings – alternating melodies, swells, and recessions− were beautifully modeled under concertmaster Arvid Engegård’s clear lead. Admittedly, after the other-worldliness of the Zimmerlin, this piece felt something like the burly score of a blockbuster movie; but such ebullient folk music made you want to get up and dance, and none could fault it for lack of Romantic luster or passionate insistence. In sum, the Grieg suite was played to perfection, each player entirely comfortable with this assignment and community, and bringing the best of the northern fiber to the equally scenic Swiss alps.

Ernen, August 4, 2016, by Sarah Batschelet